A Momentary Memory



A Memory of Moment- Feast of Images Inscribed in Daguerreo Type to Hologram

Artist  Juyong  Lee



Park Joo seok ( Art history, Critic, Professor)



1.When anything so-called 'art' was covered by rheumatism, a photographer lighted thousands of candles and then the black color which was broken into several everyday supplies gradually entered into a sensitized paper. The power of the soft and fresh color he discovered was far more important than any other constellations that were offered us for our visual pleasure. A machinery transformation which was precise, sole, and exact was smoothly filtered just like a hair shown beyond the ray of light and eventually settled down.

This is an excerpt from Tristan Tzara's critique of Man Ray's photographs. Tristan Tzara led Dadaism in the early twentieth century and wrote the Declaration of Dadaism in 1918. Like Tzara's sharp comment, throughout the western modern art history in general, it was always a photograph that made a breakthrough whenever the overall art was in a stagnant period aesthetically. So was the phenomenon of the early nineteenth century when photograph was invented. Likewise, photograph was one of the driving forces to create avant-garde in the early 20th century, and it also rescued modern art which was in a stagnant period after conceptual art in the late 20th century. It was because the photograph has a totally different quality from traditional media like painting and sculpture, and has been offering new power of aesthetic and ideas.

It seems like that the contemporary art today has lost power to create new aesthetics and value. Mass media industry including movie and fashion is dominating the aesthetic value of the world with such an enormous funds power and popularity, and it is true that a welter of information circulated by digital media is increasingly fragmentizing, simplifying, and standardizing human lives. Especially the mass production and circulation of photograph and video which are made instantly in a moment accelerate such a phenomenon that destroys cultural diversity and makes the existence of something lighter. Lives of artists cannot be free from this phenomenon either. Their lives and aesthetic attitudes are bound to be infiltrated by social environment as well, and it is not that easy to overcome this and acquire the freedom of life. I think that the aesthetic stagnation of modern art is colligated with artists' circumstances who are swayed by the media environments. It is a situation in need of reliever.

Work using body a lot would be one of the alternatives. If someone asks me to suggest a way to overcome the stagnant situation that I mentioned above, honestly, there is nothing to answer because I am not an artist. I only guess that if there is a problem with the instantized life and method of work, going backwards could be a solution. In some aspects, modern art has been developed in a way that it dominates and leads its circumstances after capturing quickly the changes of technical environment and reality. That was the case with Nam June Paik, and so was the media/digital art that is prevailing nowadays. It succeeded somehow, and even established itself as an alternative of art. Artists have very astute senses, so today art gets combined with new technology right after it comes out. Of course, there is no longer a serious consideration about the technology itself even for a moment, and the aesthetic motivity becomes weaker and weaker. In other words, it cannot be an alternative anymore.

2.A significance of Lee Joo Yong's work in modern art is revealed from this point here. The processes or techniques he shows in this exhibition include daguerreotype, ambrotype, tintype, and hologram, etc. In the history of photographic technique, the first three techniques were processes used mainly in the mid-19th century while hologram is still under a technical development today. Those four techniques have something in common; instead of commissioning the process in an industrialized facility such as laboratory, the artist must control all the process of production her/himself. The process of shooting that creates first image is also different than other photographs today since they all require a great concentration and time. Not like today's film or digital file, artist has to make an emulsion through a chemical process her/himself, and also not like today's photograph which requires less than a second, those techniques need at least 2-3 minutes, sometimes over 10 minutes depending on the condition of ray. Certainly the artist becomes to concentrate greatly on the object itself, and furthermore, s/he becomes able to have a deep conversation with the object.

Let me cite statements by Lee Joo Yong. His work "followed the early photography which requires a long exposure time, therefore he must stand still for several minutes in front of the camera in order to take one picture, and its result exists as a single original that cannot be replicated. After repeating such handiwork procedures, the original plate is polished as if it is a mirror, and the chemicals vaporizes and absorbs onto it. This plate must be used in 20 minutes before the chemical on surface vaporizes and disappears. A glass or zinc plate has a limitation as well; after its surface is applied with chemicals evenly and immersed in silver nitrate liquid, the plate must be used before it gets dried." Of course, this is what explains about daguerreotype, but it can also be applied to ambrotype and tintype using collodion emulsion. In terms of modern photograph, this was an abandoned process because of its inconvenience and lengthiness.

Daguerreotype for example, was a first commercialized photography, and followed the basic principle that silver salt reacts to light and produces an image. It is a method of plating copperplate with silver or entering a silver plate into the camera to take a photograph. In a final image made on silver plate, its left and right sides are reversed because of the principle of camera obscura in which the upper and lower sides and left and right sides are reversed. It is a direct positive method since the final positive image is shown directly on supporter, and a reproduction, which is very natural with today's photograph, is impossible in this method. Due to the limitation of process itself and the high cost of silver plate, daguerreotype faded into the mists of history after ten years it was invented. Ambrotype and tintype were the early processes as well that were invented as low-priced substitution of daguerreotype.

For a production of photograph, firstly it is required to plate copperplate with silver and polish the surface smoothly until it becomes glossy. Then this plate is placed in a small box and exposed to iodine vapor for about 5 minutes to 15 minutes. As a result, a silver iodine that reacts to light is created on the surface of the plate. This plate goes into a camera to be exposed about 5 to 7 minutes, and a final positive image gets created directly after shooting. The exposure time decreased to 5~40 seconds after the camera lens developed and a photo sensitivity of plate increased in the 1980s, therefore it became more widely used for photographic portraits. After shooting, the plate gets exposed to mercury vapor to be developed, and eventually becomes completed through process of fixing and polishing.

Then, what does Lee Joo Yong really want to accomplish through a work using such a process that is so complicated and inconvenient? As an answer, he says "a process of making a photoplate step by step and accumulating light onto it is same as a process of piling the layers of essence of things. While I approach the fundamental attributes and truth that are immanent in a subject, the subject becomes an object of worship itself. Time exposure is not an inconvenient work condition anymore. Instead, it is now a time to be immersed in pursuing the subjects and things deeply. It reenacts a lofty ritual that makes existence continue to exist through memory by fixing the drifting subjects in a visual-perceptual phenomenon as permanent thoughts even after the extinction of existence." It is certainly a tough process of work, but he becomes able to commune deeply with the subjects.

A situation that forces artist to focus and commune with the subject in the process of shooting and making photograph is a distinct feature of the early photograph processes. As I mentioned above, this was only possible when the production of image was in a stage of sheer handiwork. Of course, it is not impossible in today's digital process. There is an artist who dims the lights deliberately and uses an emulsion which reacts to light very slowly, so that he needs an exposure time of at least 30 minutes in order to get a normal brightness. However, having to do it due to the technical limitation is different from doing it on purpose. Not to mention the prudence required to handle the process with an expensive negative. A communication between the photographer and subject that occurs during the time-consuming process of preparation and shooting is an irreplaceable state of emotion. Lee Joo Yong withdraws himself into this emotional state.

3. In the 1930s, Walter Benjamin wrote in his famous thesis about photograph, 'Little History of Photography', that the first decade after the invention of photograph was being appraised as a heyday of photograph history. On the contrary, Benjamin viewed this appraisal negatively. He thought that the change of society and technical environment was not detected, thus the Aura, which had been collapsing, found the early photograph as the last refuge, especially the photographic portrait. In his stance of supporting Surrealism that appeared around the 1920s, it was an old example of history intended to compare the revolutionary feature of Eugene Atget's photograph, a pioneer of Surrealism photograph.

Even if we fully understand and acknowledge this view of Benjamin, we should not deny that there was a characteristic medium in the early photographic portrait; a medium that cannot be found in other photographs that were developed after the 20th century with a technical improvement. This characteristic is a result of private commune between photographer and subject, an accumulation of the time exposure, and the great attention paid to the subject by photographer due to the technical limitation. Some kind of sticky spiritual feeling, so-called 'a medium' by Benjamin, and a tension are formed between the photograph and viewers in order to connect them. This is such an impossible relationship in today's technical environment of photograph and video in which a further progress seems impossible.

It is also an aesthetic mechanism that Lee Joo Young focuses on in his work. It can also be viewed as one of the photograph's natures lost in the middle of technical environment and history which had stuck only to the technical progress and industrialization. A person who understands the progress of making a photograph image would already know that a photograph is a accumulated result of light for a period of time. In the early photographs, few minutes were needed for exposure because the sensitivity of the emulsion was not that high. Louis Jacques Mandé Daguerre, the inventor of daguerreotype, is said that he spent about 30 minutes of exposure time for the first demonstration of his photography. Owing to technical improvement, nowadays only one hundredth of a minute, sometimes even one ten-thousandth of a minute is required for exposure. However, the length of exposure time is still relative. It is the same in the aspect of accumulating light reflected by the subject for a period of time. In today's situation, it seems like that we cannot even realize the exposure time because it is too short to detect. Lee Joo Yong intends to reawaken the nature of photograph that a photograph is ultimately an accumulation of light for a period of time by restoring the discarded process of photograph, in other hand, by using the high-tech hologram.

4.I think the best of his works in this exhibition is a picture of woman in Korean dress printed in daguerreotype (Daguerreotype 01). I remember that I was really confused when I first saw this picture. Even though the photograph historian Choi In-jin has been tracing daguerreotype in Korean photograph history, it had been nearly concluded that there was no daguerreotype picture of Korea or Korean people. In the case of Japan and China, quite a few daguerreotype pictures remained because it was already introduced in the mid-19th century in those countries. On the contrary, daguerreotype was introduced in Korea in a relatively late period. Therefore I was kind of shocked when I saw a picture of woman posing in a traditional dress. I had thought this kind of photograph could be only seen in some postcards before I saw this work. Reproduction of the 19th century's process, cased photograph's frame which had been in fashion at that time, and a graceful lady who wore her hair in a bun and got dressed up in Korean traditional costume- all these were in a harmony, and its impression was enough to confuse senses.

In his work exists a harmony of disharmony that confuses our senses systematically just like what Surrealism had pursued. It looks like a unique negative of daguerreotype that photograph historian Beaumont Newhall has called 'Memory in Mirror.' But it is ultimately a positive picture and the peculiar screen effect of amalgam covering the surface is attractive. Furthermore, its antique frame stands out with a decoration which has been stylized for centuries to the 19th century over a long tradition of European portrait, and a melancholy mood of the frame is surrounding the picture. A woman in Korean dress in the late period of Chosun, an old typewriter and sewing machine, and an elegant white porcelain that symbolizes culture of Chosun would be enough to arouse nostalgia in Korean spectators. A subtle mixture of early modern western and Korean cultures leads us into an aesthetic world that we have not experienced so far. Lee Joo Yong's world of photograph which denies the benefit of cutting-edge technology but withdraws himself into the past and keep laboring, therefore, can be a substitute of modern art.

Lee Joo Young is a quite well-known collector of the 19th century's photographs and cameras. His works' materials and forms come from his love for collection. He is also a scientist who has been studying and experimenting on the process of fixing and reproducing various optical images since he was in college. The tenacity that he never gives up experimenting the early photography processes,-which no other is interested in, and the high-tech hologram derives from a scientific spirit. At the same time, he is also an artist who led the heyday of Korean photograph since his work on creating a new meaning in the accidental contingence of discarded and abandoned objects in the late 1980s. With all these experiences and talents combined, he has awakened a nature of photograph through this exhibition.






<찰나의 기억 - 다게레오타입부터 홀로그램에까지 새긴 이미지의 향연>  

박주석 (명지대학교 교수, 사진사 및 사진기록)

1.  - 이른바 예술이라고 불리는 모든 것이 류머티즘으로 덥혀 있을 때 사진가는 자기 촛대에 수천의 촛불을 밝혔고, 그러자 몇 가지 일상용품으로 잘려진 검은색은 점차 감광지에 빨려들어 갔다. 그가 발견한 부드럽고 신선한 빛깔의 힘은 우리들의 시각적 쾌락을 위해 제공되는 모든 성좌보다 훨씬 중요한 것이었다. 정밀하고 유일하고 정확한 기계적 변형은 광선의 빗 너머 보이는 머리털 마냥 미끄럽게 여과되어 정착되었다.  

20세기 초 일어난 다다(dada) 운동을 주도했고 1918년 다다 선언문을 썼던 트리스탕 차라(Tristan Tzara)가 만 레이의 사진에 대한 평을 쓰면서 했던 말 중의 일부이다. 서양의 근현대 미술사 전반을 살펴보면, 차라의 예리한 지적처럼, 미술 전반이 미학적 차원에서 정체기 혹은 침체기에 들어갔을 때 돌파구를 마련한 것은 항상 사진이었다. 사진이 발명된 19세기 초반의 현상도 그랬고, 20세기 초반 아방가르드 예술을 탄생시킨 원동력의 일부도 사진이었으며, 20세기 후반 개념미술 이후 정체기에 빠진 현대미술의 구원 투수 또한 사진이었다. 사진이 회화나 조각 등과 같은 전통 미술의 매체와 전혀 다른 속성을 갖고 새로운 미학의 힘과 아이디어를 제공해왔기 때문이었다.  

대중 사회와 디지털 미디어의 환경 속에 있는 오늘날의 현대미술은 더 이상 새로운 미학과 가치를 창출할 수 있는 동력을 상실한 것으로 보인다. 영화나 패션을 비롯한 대중문화 산업은 막강한 자금력과 대중성을 무기로 세계인의 미적 가치를 장악하고 있고, 디지털 미디어가 유통시키는 엄청난 양의 정보는 갈수록 인류의 삶을 파편화, 단순화, 획일화 시키고 있는 실정이다. 특히 순간적으로 가볍게 즉각적으로 만들어내는 사진과 영상의 대량 생산과 유통은 문화적 다양성을 파괴하고 존재를 가볍게 만드는 이런 현상을 가속화한다. 예술가들의 삶 또한 절대적으로 여기서 자유로울 수 없다. 그들의 삶과 미적 태도 역시도 사회적 환경으로부터 침윤당하기 마련이며, 이를 이겨내고 삶의 자유를 획득하는 일은 생각보다 쉽지 않는 일이다. 현대미술의 미학적 침체는 미디어 환경에 끌려 다닐 수밖에 없는 예술가들의 처지와 결부되어 있다는 것이 필자의 생각이다. 구원투수가 필요한 상황인 것이다. 몸을 많이 쓰는 작업이 대안 중의 하나이다. 앞서 말한 정체의 상황을 극복할 수 있는 방법을 제시하라고 한다면 예술가도 아닌 나로서는 딱히 할 말이 있는 것은 아니다. 다만 인스턴트화 되어있는 삶과 작업 방식에 문제가 있다면 거꾸로 가보는 것도 한 방법이겠다 싶을 뿐이다. 현대미술은 기술적 환경과 현실의 변화를 빠르게 포착해서 이를 선점하고 이끌어가는 방식으로 발전해온 측면이 있다. 백남준의 경우가 그랬고 요즘 유행하는 미디어 아트 또는 디지털 아트라고 하는 것도 마찬가지이다. 나름 성공을 거두기도 했고, 미술의 대안으로 자리 잡기도 했다. 예술가들의 눈치가 너무 빨라서 그런지 오늘날에는 신기술이 나오자마자 예술과 결합하는 현상이 벌어진다. 당연히 기술 자체에 대한 잠깐의 진지한 성찰도 없게 되는 것이고, 미학적 동력은 떨어지게 마련이다. 더 이상 대안이 아니라는 말이다.

 

2. 이주용의 작업이 현대미술에서 갖는 의미는 바로 이 지점에서 발생한다. 그가 이번 전시에 선보이는 사진의 프로세스 혹은 기법은 다게레오타입(Daguerreotype), 앰브로타입(Ambrotype), 틴타입(Tintype), 홀로그램(Hologram) 등이다. 사진 기법의 역사에서 보면 앞의 세 개는 사진의 발명 시기였던 19세기 중반에 주로 사용되었던 프로세스였고, 홀로그램은 아직도 기술 개발 중인 프로세스이다. 공통적인 점은 작업이 산업화된 시설 즉 랩에 맡겨서 할 수 있는 것이 아닌 작가 스스로 작품 생산의 과정 전체의 모든 것을 해결해야 한다는 사실이다. 최초로 이미지를 형성하는 촬영의 과정 또한 요즘의 일반적인 사진 방식과 달리 엄청난 집중력과 시간을 요구하는 프로세스들이다. 유제 자체가 요즘 쓰는 필름이나 디지털 파일 등과 달라서 작가가 직접 화학적 공정을 거쳐 만들어야 하고, 노출 시간 또한 몇 백분의 1초 단위인 지금의 사진과 달리 최소한 2~3분 이상에서 광선 상태에 따라 몇 십 분이 소요되는 과정이 필요하다. 당연히 찍히는 대상 자체에 엄청난 집중을 하게 마련이고, 더 나아가 사물과 깊은 대화를 나눌 수 있도록 한다.  

작가의 말을 인용해 보자. 그의 작업은 “ 초기의 사진술을 그대로 답습했기에 빛에 노출시키는 시간이 길어서 사진 한 장을 찍으려면 카메라 앞에서 수 분 이상을 정지된 채 기다려야 하고 결과물은 복제가 불가능한, 오직 하나의 원본으로만 존재한다. 수공예적인 반복 절차를 거쳐서 거울처럼 갈고 닦은 뒤 다시 약품을 증발시키고 흡착시켜서 만든 원판은 표면의 약품이 증발되어 없어지기 전인, 20분 이내에 사용해야만 한다. 유리판이나 얇은 아연판 역시 표면에 약품을 균일하게 바른 뒤 질산은 액체에 담갔다가 마르기 전에 사용을 해야 하는 제약이 따른다” 고 한다. 물론 다게레오타입을 설명하는 말이긴 하지만, 콜로디온 유제를 사용하는 앰브로타입, 틴타입 등에도 공히 해당한다. 현대사진의 개념에서 보면 불편하고 지루하기 짝이 없는 버려진 프로세스였다.   

다게레오타입의 경우를 보자. 최초의 상용화된 사진술인 다게레오타입은 은염이 빛에 반응하여 상을 맺는다는 기본적인 원리에 따라 동판에 은을 도금하거나 은판을 직접 카메라에 넣어 촬영하는 방식이다. 은판에 찍힌 최종 이미지는 상의 상, 하, 좌, 우가 거꾸로 맺히는 카메라 옵스쿠라의 원리에 의해 거울을 보는 것과 같이 좌, 우가 바뀌게 된다. 최종 양화 이미지가 지지체에 바로 찍히기 때문에 직접 양화방식이며, 오늘날의 사진에서 너무도 당연한 복제가 불가능했다. 이런 프로세스 자체의 한계와 은판은 사용해서 비쌌던 이유로 발명 초기 10여 년 동안 사용되다가 역사의 뒤안길로 사라진 프로세스였다. 작가가 사용하는 틴타입과 앰브로타입은 이를 값싸게 대체하기 위해 등장한 역시 초기의 프로세스였다.    제작을 위해서는 먼저 은을 동판에 도금한 뒤 표면을 매끄럽게 윤이 나도록 연마한다. 이 플레이트를 작은 상자에 넣어 5분에서 15분가량 요오드 증기에 노출시키면 플레이트 표면에   

 

빛에 반응하는 요오드화은이 형성된다. 이 플레이트를 카메라에 넣어 5분에서 7분 가량의 노출시간을 주고 촬영하여 바로 최종적인 포지티브 상을 얻는다. 1840년대 이 후에는 카메라의 렌즈가 발달하고 플레이트의 감광도가 높아져 노출시간이 5초에서 40초가량까지 줄어들어 특히 초상사진에 더 널리 사용될 수 있었다. 촬영 뒤에는 플레이트를 카메라에서 꺼내 수은 증기를 쏘여 현상을 하고, 정착과 연마의 과정을 거쳐 완성한다.    그러면 이렇게 복잡하고 불편하기 짝이 없는 프로세스를 이용하는 작업을 통해 작가가 얻고자 하는 것은 무엇이었을까. 그 이유를 작가는 “각 단계별로 사진판을 만들어 그 위에 빛을 축적시키는 과정은 사물의 본질에 관한 레이어를 켜켜이 쌓아가는 과정이다. 피사체에 깃들인 근원적인 속성과 그들이 품고 있는 진실에 다가가는 동안 피사체는 그 자체로서 숭배의 대상이 된다. 장시간 노출이라는 작업 조건 역시 더 이상 불편함이 아닌, 대상과 사물을 깊이 있게 추적해 나가는 몰입의 시간이다. 시지각적 현상 속에 부유하는 대상과 사물을 영속적인 사유로 고정함으로써 존재의 소멸 이후에도 기억을 매개로 존속하게 하는, 숭고한 의식의 재현이다” 라고 말한다. 한마디로 힘든 작업의 과정이지만 사진을 찍는 대상과 깊은 교감을 나눌 수 있기 때문이라는 것이다.  

사진을 찍고 만드는 과정에서 피사체에 집중하고 교감할 수밖에 없는 상황은 초기 사진 프로세스의 특징이다. 앞서 말했듯이 이미지의 생산이 지극히 수공적인 상태에 머물러 있었을 때 가능한 얘기였다. 물론 오늘날의 디지털 프로세스에서도 불가능한 일은 아니다. 의도적으로 조명을 어둡게 하고 감광도가 매우 낮은 유제를 사용해서 정산적인 밝기의 화면을 얻는데 30분 이상의 노출이 필요한 사진 작업을 하는 작가도 있다. 하지만 기술적 제약으로 그럴 수밖에 없는 것과 의도적으로 그렇게 하는 경우는 다르다. 워낙 고비용의 원판을 사용하기 때문에 생기는 처리 과정의 신중함은 말할 것도 없다. 오랜 시간의 준비 과정과 촬영 과정에서 발생하는 사진가와 피사체의 교감은 대체 불가능한 감정의 상태다. 작가는 이런 상태에 자신을 침잠시킨다.  

3.  

발터 벤야민(Walter Benjamin)은 1930년대에 쓴 그의 사진에 관한 유명한 논문 ‘ 사진의 작은 역사’ 에서 당시 유럽에서 사진 역사의 최고 전성기는 발명 초기 10여년의 시기로 평가되고 있다고 밝힌 바 있다. 물론 그는 이런 평가를 부정적으로 바라보고 있었다. 사회 및 기술 환경의 변화를 감지하지 못했고, 그래서 인간 지각 작용의 변화로 붕괴될 수밖에 없었던 아우라(Aura)가 최후의 안식처로 삼은 장소가 바로 초기 사진 그 중에서도 특히 초상 사진이었다는 것이다. 1920년대를 전후로 등장한 초현실주의 운동을 열렬히 지지했던 벤야민의 입장에서 초현실주의 사진의 선구였던 유젠 앗제(Eugene Atget)의 사진이 갖는 혁명성을 비교 강조하기 위해 끌어드린 역사적 구태의 예였다.  

 

벤야민의 이런 견해를 십분 이해하고 긍정한다고 할지라도, 초기 초상 사진에는 기술의 진보가 이루어진 20세기 이후의 사진에서는 찾아 볼 수 없는 어떤 특징과 매질이 있었다는 점을 부정할 수는 없다. 그 특성은 바로 기술적 한계 때문에 어쩔 수 없이 동반되는 사진 찍는 대상을 향한 사진가의 집중, 사진가와 피사체의 내밀한 교감, 장시간 노출에 따른 시간의 축적 등의 결과이다. 이렇게 해서 만들어진 사진과 그것을 보는 관객 사이에는 양자를 연결하는, 벤야민이 매질이라고 한, 끈적끈적한 영적인 차원의 느낌과 긴장감이 형성된다.  더 이상의 진보가 불가능할 정도로 보이는 오늘날의 사진과 영상의 기술적 환경에서는 불가능한 관계망이다.    

이주용이 그의 작업에서 주목하고 미학적 기제로 삼는 부분이며, 테크닉의 진보와 발전 그리고 산업화에만 매달려온 역사적 과정과 기술적 환경에서 사진이 놓쳐버린 본성의 하나라고 볼 수 있다. 사진 이미지의 형성 과정을 이해하는 사람이라면 누구나 아는 사실이지만 사진은 결국 일정 시간 동안 빛이 축적된 결과물이다. 초기 사진에서는 유제의 감광도가 낮아 몇 분 정도의 노출이 필요했다. 다게레오타입의 발명자인 다게르가 자신의 사진술을 처음 시연할 때 필요했던 노출 시간의 대략 30분 정도였다고 전해진다. 기술의 진보에 따라 오늘날의 사진에서는 수백분의 1초 더 나아가 수만분의 1초 정도의 노출 시간이 필요한 정도이다. 하지만 노출 시간의 길고 짧음은 상대적인 것이다. 피사체에서 반사한 빛을 일정 시간 동안 축적한다는 점에서는 같다. 오늘날에는 노출 시간이 너무 짧아져 버려 그 자체를 인식할 수 없게 되어버린 상황이다. 이주용은 이미 폐기되어 버린 사진의 프로세스를 복원해서, 한편으로는 첨단의 홀로그램을 이용해서, 사진은 결국 일정 시간 빛의 축적이라는 그 본성을 다시 일깨우고 있다.  

4.   

이주용이 이번 전시에 선보이는 작품 중에 단연 압권은 다게레오타입으로 만든 한복을 입은 여성의 사진(다게레오타입 01, 글사이에사진을넣어편집해주세요)이라고 본다. 이 사진을 처음 보았을 때 무척 당황했던 기억이 난다. 사진사가인 최인진 선생이 집요하게 추적하고 있지만 한국사진사의 연구 결과 우리나라 또는 우리나라 사람을 찍은 다게레오타입은 없다고 거의 결론이 났다. 일본과 중국은 19세기 중반 이미 다게레오타입이 도입되어 남은 사진이 상당히 있지만 우리나라의 경우는 사진의 도입이 상대적으로 늦은 관계로 찾아볼 수 없다. 그런데 19세 후반 우리나라 사진에서 엽서 등의 형태로 볼 수 있는 복식을 하고 포즈를 취한 여성의 사진을 보았을 때 놀라움은 무척 컸다. 19세기 사진 발명 시기 프로세스의 현신, 그 시절 유행한 케이스 사진 (Cased Photograph) 액자, 쪽을 진 머리에 곱게 한복을 차려 입은 단아한 젊은 여성 등이 조화를 이루는 인상은 감각의 혼란을 일으키기에 충분했다.      

 

그의 작품에는 초현실주의가 추구했던 것과 같은 우리의 감각을 체계적으로 혼란시키는 부조화의 조화가 있다. 사진사가인 버몬트 뉴홀이 ‘ 기억의 거울(Memory in Mirror)’ 이라고 불렀던 다게레오타입 특유의 음화로도 보이고 양화로도 보이지만 결국 양화이면서 표면을 감싸는 아말감 특유의 화면 효과가 매력적이다. 19세기까지 수세기 동안 유럽 초상화의 오랜 전통 속에서 양식화된 장식성이 돋보이는 고풍스러운 액자가 보여주는 멜랑꼴리한 분위기가 사진을 감싸고 있다. 사진에 찍힌 한복을 입은 구한말 풍의 여성, 오래된 타자기와 재봉틀 그리고 조선의 문화를 상징하는 백자의 단아한 모습 등은 적어도 우리나라 관객들에겐 노스탤지어를 불러일으키기에 충분하다. 근대 초기의 서양과 한국이 교묘하게 섞여 지금까지 한 번도 경험하지 못한 미적 세계로 우리를 이끈다. 첨단 테크닉의 혜택을 거부하고 과거에 침잠해서 노동을 마다하지 않는 이주용의 사진 세계는 그래서 현대미술의 대안으로 작동할 수 있겠다.  

이주용은 아는 사람은 아는 꽤 유명한 19세기 사진과 카메라 컬렉터이다. 작품의 재료와 형식은 컬렉션에 사랑에서 나온다. 또 대학 시절부터 다양한 광학이미지를 고정하고 재현하는 프로세스를 연구하고 실험해온 과학자이기도 하다. 누구도 하지 않는 최초 사진의 프로세스와 첨단의 홀로그램을 실험하는 집념은 과학자의 정신에서 비롯한다. 동시에 버려지거나 폐기된 사물을 우연하게 만나도록해서 새로운 의미를 부여하는 작업을 해온 1980년대 후분 이후 시작된 한국사진의 전성기를 이끈 작가이기도 하다. 이 모든 경험과 관심과 재능을 결합해 사진의 본성을 일깨운 이번 작품을 펼쳐 보인다